国画审美内涵与创新

摘要:

本文对国画创作中的表现进行了水里对国画审美艺术修炼进行探索和分析以齐白石的作品作为案例进行详细分析旨在对国画技艺的不断传承与创新进一步深入国画审美理念和创新发展。中国绘画艺术源远流长、历史悠久。经过数千年的不断发展国画艺术蕴含着中华民族传统的文化和审美理念。在艺术表现的过程中国画对审美理念发展发挥了重要的推动作用与此同时将人们对审美隶属的认识进一步深化在多种途径中将美展示在人们面前。艺术并不是凭空产生的，其来源于人们的实际生活而又高于生活艺术是对生活的再次创造其不是在复制生活而是具有生命其生命的活力在于不断创新这一点在国画艺术中被完美的体现出来

关键词:表现审美艺术国画技法传承创新

一、创作理念的不断创新

在我们进行日常的创作过程当中，对于审美方面的需求也会随之增长，同样也会引来一些艺术家或者是学者对于审美方面理论的评论，比如说黄金比率这个问题，就是在当时的艺术领域当中，索贝深刻体现的，并且一直到现在来讲，对于美的探索，也在不断的进行发展和流产，往往通过各项事物来进行具体的描述，进行获得的同样也能够表达出艺术家们自己的情景和自己内心最真实的情感在进行创作的过程当中，我们应该对其进行不断的创新和完善，能够表达出在审美过程当中所表现出来的内涵，将其体现在日常的绘画过程当中，比如说在进行创作的过程当中，我所用的纸张是泥金纸，进行绘画的过程当中，我将人物形象以及所要表达的内心感情进行严厉禁止的体现出来，我将其中所体现的创新概念进行不断的发展。这是我们在对于创作理念的发展过程当中所需要去进行注重和表达的。

你们仨对于国画艺术进行创造的过程当中，对很多元素都进行了英勇，也进行了非常深入的讨论，来对整体的国画审美体现进行讲授，在进行创作的过程当中，齐白石是当代画家中最杰出的艺术家之一，并且能够表达出努力尽职的感情。能够通过一定的手法来让读者进行想象，从而形成对国画审美方面的关注。

二、表现手法的不断创新

我们通过对创作理念上进行不断的创新来表达对应的表现手法，这是在进行中国画创作过程中的一大飞跃，同时，这也能够从齐白石先生的画作中进行淋漓尽致的体现出来，并且我们可以按照对应的理论来表达齐白石先生在毕生的创作生涯当中所塑造出的艺术形象和作品的体现。比如说可以画一些艺术作品青蛙以及雏鸡等，这些都是非常具有朴素和平淡的趣味，尤其是在对虾的画法过程当中，就经历了很多次的改变来进行形成的，而之后就在绘画的过程当中十分逼真，但是也不是其中所存在的情绪，因此，齐白石先生做出来的画作将表达出来的手法进行而深刻的创作，能够将各项变化进行淋漓尽致的体现出来。我们通过不断的创新和尝试，将在画作的过程当中各种人物形象进行淋漓尽致的体现出来，能够给予人以大气简单的感觉，而这些生活的形象，都是在进行不断融入的过程当中进行表现出来的，我们应该对其进行广泛的应用和写作，并且体现出国画在审美过程中所体现的内涵和创新精神。因此，在表达手段方面，我们一定要进行不断的创新和完善，来进行更加深刻的体现。

我们可以发现，早期的齐白石在进行画作的过程当中，大多数都是通过临摹古人画作中的花鸟，在这个过程当中进行表现，并且在进行工笔的使用上非常的细腻和工整。尤其是在中期之后就开始进行随意使用，而齐白石先生在绘画技艺方面已经达到了一定炉火纯青的阶段，并没有去进行刻意的粉饰，而在这个作当中，能够将其中所体现的形象及其淋漓尽致的发挥出来，而这幅作品也就来源于对应的画作当中，所金鑫表达的意境，我们可以从中感受到画作当中所表达的含义以及内涵所在。我们通过进行创作的过程当中，将其中所表达的艺术语言进行履历尽致的体现出来，而使其不受到固有物理特性的制约而将其形成一体，进行各种风格和趣味的表达以及体现。

我们在进行绘画的过程当中，与西方的风格相比，中国画整体而言就是追求理想的审美，并且可以将各种意识形式进行体现出来，不受固有物质的制约，能够将内涵进行表达，赋予其浓厚的风格特色和感情色彩。

三、中国画的创作“意境”

中国传统绘画艺术非常注重“意境”的表现，这主要是由中国传统的思维方式所决定的。“意境”是我国传统美学的一个重要范畴，是构成中国传统艺术审美的一个重要因素之一。意境论主张“以意为主”强调“表现”，但又要求寓“表述”于描述之中，使“意造境生”，令“山性即我性，山情即我情”“吾心即是宇宙”“宇宙即是吾心”通过“摄情”和“写貌物情”达到“摅发人思”,这种对“意境”的追求，促使国画家努力寻找一种符合自然精神的表现形式，并在艺术创作过程中追求自然的情趣美，将文学艺术中更深层次的美一一“意境”的表现融人到绘画作品中去，使作品显示出更深的内涵和更耐人寻味的“意念”与“情趣”。五代、两宋的山水画充分体现了这一追求。这一时期的画家深受唐代“诗画同源”，“诗中有画，画中有诗”的影响，在对自然的感悟中生发情感，从触景生情到寓情于景，达到情景交融，物我两忘的境地。

受中国传统文化的影响，中国绘画历来追求含蓄的表述方式，将含蓄作为表现意境的一个重要方面。所谓含蓄，即含而不露，耐人寻味，在艺术创作中将要再现的主题及内涵深藏于画外,给人们一个自由想象、发挥的空间。清代画家戴熙提出画要让人所“思”“画令人惊,不如令人喜，令人喜不如令人思。”画面是有限的，画家往往只能表现特定的情节与自然物象的某一方面，而不能面面俱到，但绘画所体现的意念及情境则是无限宽广和自由的。因而，古代画家讲究一个”藏”字:“画叠嶂层崖.其路径村落寺宇，苟能分得隐见明白，则不但远近之理了然，且趣味无尽矣更能藏于露处，趣味愈无尽。盖一层之上更有一层，一层这中，复藏一层。盖藏者未始不露，善露者未始不藏，藏得妙时，便使观者不知山前山后，山左山右，有多少地步，许多林木，何尝不显要知总不外躲闪处高下得宜，烟云处断续有则耳,若主于露而不藏。便浅而薄，即藏而不善藏，亦易尽矣。”

四、中国画的构形思维

以线造型是中国传统绘画思维方式中最基本最典型的特征之一。在中国画的创作过程当中，大多是借用其中所存在的，这些思想来进行应用，而大自然在进行发展的过程当中，也是生命的一部分，并且，伴随着生命的律动进行变化，与世界万物的便也能够产生心理方面的共鸣，而艺术家们在进行表达式，更多的是去注重精神内涵方面的开发，能够通过自然的物象来进行描绘，来表达线条为主的艺术语言，比如说我们可以看到以往的话，当中就可以体现出来线条手法的英雄能够通过更加生动的勾描体现出线条的灵动和飘逸色彩。战国帛画“迹简意淡”突出线条作用的水墨画法和西汉以高纯度装饰性色彩依线描涂染的勾勒着色画法，奠定了卷轴的基本画法。

五、中国画的“笔墨”气韵

中国传统绘画用线条作为造型手段的另一方面，是汉字书写艺术思维及表面形式的影响。书法对线条美的追求贯穿于书法艺术发展的始终，受其影响，在中国传统的绘画当中，非常重视线条方面的使用，而且在进行绘画的过程当中，所使用的手法也是经过千百年来进行传承下来的，具有共同的视觉思维模式。笔中用墨者巧，墨中用笔者能，笔以思为精英。笔渴时墨焦而屑，愚晕时笔化而溶。”笔墨技法的运用是中国画独有的风格特征，一管毛笔可以正侧顺逆随心所欲地产生千变万化的“笔触墨痕”，以表现自然物象丰富多彩的万千气象。

在中国传统绘画的艺术思维及表现中，笔与墨是不可分割的，处理得当则气韵生，处理不好则气韵全无。正如潘天寿在论笔墨关系时所云:“笔不能离墨，离墨则无笔;墨不能离笔，离笔则无墨，故笔在才能墨在，墨在才能笔在，盖笔墨两者相依则用，相离则毁。”并非将墨仅仅作为一种黑色来使用，墨使用笔发生浓淡干湿、焦的笔迹变化，所谓“墨分五彩”即是墨的色差，借此以表现空间及质地。水可使墨分出浓淡以表现万千之色彩，只要精神完备就是好作品。这便是所谓“以墨取色”,墨不仅是色彩的简化，更是传统绘画材料的特殊性所决定，以及传统审美习性和思维方式在绘画中的体现。

六、中国画的创作“章法”

中国画表现自然物象，不是对自然物象的真实描绘，而在于追求一种理想的审美意趣，而中国画的章法也是由此形成的一种“以我为主”“自由灵变”的画面空间处理方法，它不是一固视点去观察自然物象，而是采取游移、交换的方式，在时空的流变中去发现自然物象的内在精神。中国画家在对自然的观察中，巧妙、和谐地将所观自然之象与心灵的感悟有机地融为一体。中国画家在表现自然物象时，不是局限于一时一地一景，更不是“照相”般的“复制”，而是用心去感悟自然物象的“精气”所在，通过自由撷取，巧妙构合，以灵活变幻的方法，将自然物象最精妙、最感人的“情景”表现在二维度的空间之中，从而形成了具有鲜明特色的中国画章法。这种章法带给人们的是一种完全不同于西画的视觉感受，其自由灵变的空间构合方式，打破了时间、地点及空间的限制，我们应该不拘泥于自然物象所表示的各项细枝末节，而将物象进行表达，表达出心中的情境以及眼睛所看到的真实景象来将其形成与心灵方面的沟通，会造出一种自然风趣的整体画作。

结语

从中我们可以发现，在进行艺术创作的过程当中，对各项艺术画作进行传承和创新是整体的核心基础，部分我们应该将艺术进行更加有效的表达，在进行发展的过程当中，不断进行创新和发展，同样能够将所表达的形象能够感染到观众，实现艺术的追求，表达出最高的境界，能够再进行发展的过程当中，不断超越自我。

参考文献

[1]杨喜个孔维仙朱锐.浅谈艺术与创新[J].中国科技信息，2005(10)

[2]苏文婷.从印象派绘画看艺术创新精神[1].安徽农业大学学报2005，14(6)

[3]侯君波妙在似与不似之间齐白石艺术美学思想探析[J].江西师范大学.2007

[4]郭伟.惊异与艺术创新关系哲性考辩[J].河南教育学院学报2007(2)

[5]金元浦当代艺术创新是一个复合工程[J]文艺研究2003，(2)