浅谈在舞台表演中演员情绪控制的技巧与方法

摘要

在舞台表演艺术中，演员的情绪会影响表演的发挥，甚至给对手产生负面影响，导致观众不认可你的表演。表演的本身是去创造角色，情绪便是演员塑造角色的一种表达方式，角色的情绪是剧作家赋予角色人物的，需要演员去服从角色的情绪，演员的情绪不能影响角色的情绪。一个鲜活的人物需要如何去塑造，其中情绪的表达尤其重要。如何去理解情绪、控制情绪对于演员来说尤其重要。

本文针对对舞台表演中演员的情绪控制问题进行全面的，多方位的剖析。分析情绪的定义、演员情绪对于表演的影响、有效控制情绪的方法、控制情绪的好处。提出有效控制情绪的方式与方法。

关键词: 舞台表演情绪控制技巧方式

一、引言

一名优秀的演员在舞台上能否很好的控制自己的情绪，决定着演出的成败。在舞台表演艺术中，演员的情绪时刻影响着现场剧情的发展以及观众和表演对手的一些情绪的反应。舞台表演的本身是去创造角色，情绪便是演员塑造角色的一种表达方式，更是剧本作家用来刻画人物、展示情节，吸引观众的一种方式。演员要根据自己对角色的理解，把人物情感、心里矛盾表现出来。一个鲜活的人物需要如何去塑造？其中情绪的表达尤其重要。演员不能把自己在生活中的情绪带入到一场表演中去，在舞台表演中个人情绪一定要服从角色人物的规定情境下的情绪，同时也应该根据舞台表演中所需要的人物情绪去带动舞台表演的节奏。如何去理解情绪、控制情绪对于演员来说是一个重要的课题，我们身为一名学生就应该具备归纳总结、发现差异的能力并加以研究。我结合了自身的舞台经验，对演员在舞台表演中控制情绪的问题以及解决措施进行论述。

二、情绪的定义

（一）人的情绪

人有九种基本情绪包括了兴趣、愉快、惊奇、悲伤、厌恶、愤怒、恐惧、轻蔑和羞愧。基本情绪是人和动物共有的，不用去学习模仿使我们本身自带的原始情绪, 它具备文化共通性。基本情绪的种类有不同的分类，在最近的研究中成果中将快乐、愤怒、悲哀和恐惧列为情绪的基本形式。情绪是对一系列主观认知经验的通称，是多种感觉、思想和行为综合产生的心理和生理状态。每一种情绪持续的时间是很短暂的，产生的情绪包括语言文字，行为动作和神经机制互相协调互相反应的一种表现。人的情绪也来自生物性能，特别是在演化的过程中不断进化和强化。阿诺德的定义为：“情绪是对趋向知觉为有益的、离开知觉为有害的东西的一种体验倾向。这种体验倾向为一种相应的接近或退避的生理变化模式所伴随。”

人的情绪具体有三要素：情绪体验、情绪表现、情绪心理。在情绪的体验中，情绪具有独特的主观体验色彩，有喜怒哀乐惧等。他们给人以不同的感受，就如同演员在观察生活中的练习一样，积累素材，进行合理的艺术想象，经过选择和加工提炼，将生活的现实转化为艺术的现实，从而实现让事件体现人物，让情绪烘托人物个性。情绪的表现就是外部表现形式，即是我们的面部表情，体态表情和声调表情。在对一个人物进行表演刻画时这三样必须同时到位，就如同在《红楼梦》中对于王熙凤的的出场，未见其人先闻其声，再通过对人物的外表体态描写，进一步从侧面去烘托其人物的情绪特征。情绪生理是情绪的产生必然会伴随着我们的生理变化。每一次的情绪发生都是中枢神经系统整合活动的结果，我们时常说的欲哭无泪，喜极而泣便是一种高水平的表演形式，在表演之中情绪记忆就是对于情绪生理的一种情绪和情感的记忆，在回忆过程中，只要有关的表象浮现，相应的情绪、情感就会出现。情绪记忆具有鲜明、生动且深刻的特点。

（二）角色的情绪

戏剧中人物性格的塑造主要是依托于情节的发展，又依靠于矛盾点上的情绪，也就是我们所说的五W一H：“what（目的是什么）”“where（发生的地点）”“when（发生的时间）”“why（发生冲突的原因）”“who（冲突的主要角色）”和“how（发生冲突的过程）”是角色情绪的理论上的依据，演员在舞台表演的过程中如何去抓准角色的情绪，从而达到成功的塑造剧中的人物性格的目的。

表演的基本要求就是准确地把握剧本中人物的在各个环节中的各种情绪，在剧本给予的各种规定情境下进行角色潜意识的情绪发展与完结，这个对角色的塑造过程也是表演的根本需要。角色是演员运用自己的身体所扮演的剧中人物，演员不是角色，他只是一个从事扮演的人。因此，角色的情绪是剧作家创造出人物的性格特征，演员要根据角色的性格去服从角色情绪。在规定情境中演员要通过自身的经历去对角色进行创造，一个演员接受了一个角色之后，在第一次阅读剧本中所得到的映象会对角色以后的创造有极度深刻的影响，在分析一个角色之中，演员通常会以感性与情感为主，在调动其他心理活动的同时会最直接和深入的接近角色的心灵。在获得角色第一映象后，演员的下一步便是认识角色的全貌，这个角色的性格、影响他的行为、角色的情感、当时的环境和社会因素等方面入手，这些因素都是剧作家规定好的情境。演员要用自己的心理经验去过渡到角色的规定情境之中，将角色的情绪通过语言，肢体动作，舞台调度等方式表达出来。

在话剧《雷雨》中的繁漪作为名门之女的她在十八时，就被迫嫁给了比她大十几岁的周朴园。两人无论在年龄上还是思想上，繁漪与周朴园的结合是貌合神离的，两人之间都存在着年代差距。在初识这个角色时我挺不看好这个角色的，因为在剧中她是一种悲剧性格，抑郁且尖锐有时还有些做作。可多看了几遍剧本后发现她其实是封建时期的资产家庭对于当时妇女的地位、人权、尊严的产物，在周家生活的十八年里，她受尽了周家对她的折磨，以及周朴园对她冷酷无情的压制，让她郁郁寡欢，就像一只生活在鸟笼里的囚鸟。从她在剧中的尖锐话语里，不难看出她对周家的罪恶和周朴园多年压制的揭露和控诉。身为演员，在理解剧本后就应该跳出自己的情绪去分析角色，为什么角色的情绪会如此的与众不同？是否是因为外部环境造成的结果？一个角色的情绪在你本身看来可能是不应该的，那么如何让角色的情绪合理化？针对以上问题我们可以发挥演员的想象力，塑造可行性的事件，让自己更加信服这个角色的塑造，同时可以编撰一些合理的人物小传，以此去服从剧中的情绪，从而达到表演的真实性。

三、对表演的影响

（一）舞台行动

斯坦尼斯拉夫斯基晚年提出的演员创造角色的一种创作方法或工作方法，即演员在规定情境中为表现人物心理行动而直接采取相应的形体行动。在表演过程中演员需要通过动作的逻辑性和连贯性，去创造与寻找情感的逻辑性和连贯性，达到对形体创造的创作。这种方式与通过情感的逻辑与顺序去寻找和确定动作的逻辑与顺序是不同的，前者的方式是由外部进人内部，后者的方式是由内部进人外部;前者注重表现，也相较于后者更注重技术，而后者注重体验，也更加注重心理。

在经典影视剧本改编的学习中，我饰演了《我的父亲母亲》中招娣这个角色。在剧中，父亲因为老年痴呆一直念叨母亲并将招娣当成了母亲，而招娣的一句“母亲已经走了十年了！”，我只是语言表达了出来并且是以怒吼的方式将情绪冲动化，这并不符合角色本身。后面经过下来的反思我知道了应该用肢体动作的铺垫，进入心里的铺垫才会产生情感的爆发，只有结果没有过程的表演是失败的、不完整的作品。由于进入的方式方法的不同，形成的工作方式及其结果也就会有较大的偏差，会让演员的表演效果产生不同表现成果。在舞台表演中，演员有可见的肢体行动和不可见的心理活动，在表演过程中，演员的动作既要简明扼要，也要保证表演的完整性，展示明确的动机、方向和目的。

导演在设计动作时也会体验人物中的心理，并建议给演员，演员要将建议转化为自身的动作且符合剧中人物形象。我在《天上人间》中所饰演的七仙女，在剧中和牛郎的一见倾心，这是一部古装的无厘头爱情话剧，那么在故事中如何用戏剧效果展示和牛郎的爱情，学生导演提出建议唱一段《天仙配》的选段，那么演员的肢体动作如何去结合呢？于是我们想到了京剧的表演方式，既符合了古装，又将两个角色的关系展现到了极致。经过对剧情的仔细推敲，深入人物的内心，掌握人物的心理活动，了解了表达的情感并且借鉴前辈的经验和情感的表达技巧，用“腔”和“形体”的表现手法将角色具体的情绪塑造出来。这不仅需要演员的悟性更是要对作品有自己的理解和看法。

在规定好的布景之中，演员的调度走位，身体姿态的一系列变化，也会因为剧情的需要去影响演员的心理活动。在我大学学习的过程中我的老师曾经举过一个例子，在剧中一个人物如果对另外一个人物心里产生厌恶，他们在舞台行动中是会产生距离的。角色关系在舞台距离的长短皆是剧中人物的关系，也是人物相互产生情绪的区分，这样的表演可以让表演对手产生相应的情绪反应，并且能让受众信服。

（二）舞台语言

语言具有的声音色彩是语调，演员是台词的创作者，同时也是赋予角色语调的缔造者，在一场完美的表演中演员不仅要赋予台词生命，更需要让台词灵活起来。一首优美的音乐，灵动的旋律和节奏是不可缺少的，那么在舞台语言中语调就如同语言的旋律和节奏。语调包含了声音技巧的各种变化：高、低、轻、重、迟、急、顿、挫等。语调在一场表演中不仅丰富多彩、生动活泼，而且具有强烈的音乐性和节奏感。语言的各种情感表达都体现在语调的调值中，如果表示疑问就是升调，如果严肃的气氛就是平调，如果表示叹息就是降调。语调代表了表演过程中清晰的思想、明确的态度和强烈的愿望所激起的情感和视象所产生的产物，因此演员必须通过自己的想象力把作者为剧本人物提供的生活环境在自己的头脑中展开相应的想象，再将演员的表演转化为角色生动形象的生活画面，才能把台词变成自己由衷要说的话，就像是从自己的思想中产生的一样。

在剧本《无人生还》中，我扮演的女仆埃塞尔。她和她的丈夫两人来到小岛上，她一上岛的怯懦和不敢直视每位客人的眼睛，都为面对留声机对在场每个人罪证的控诉到自己时，所产生尖叫声铺垫。因为罪证是真实的，但是剧中只是说了她们确实是害死了自己的主人并营造了为了救主人不畏风雨请医生，却没有具体到过程。到底是怎么样的经历导致埃塞尔这样的人物性格？因此演员应该尽力去寻找准确的语言语调，把这些思想、感受、视象预备愿望等加以想象的艺术创作并融会贯通，再清楚鲜明地将其描绘出来，所以以此来影响观众，让观众更深层次的参与其中，以此来达到预期效果。

语调是根据语言的目的性和行动性所产生的，在生活中，人们的语调是千变万化，丰富多彩的；在说台词或者朗诵中，要防止呆板的、做作的语调，将话语自然的表现出来。任何缺乏内心依据的语调都会使语言变得矫揉造作且空乏无味。滥用的语调和过分修饰的语调只会使语言成为庸俗的、华而不实的东西。准确、鲜明、生动的语调必须永远从语言的内容和情感需要出发。声音是受头脑支配的，没有具体的思维过程是不会产生语调的。台词应该从剧本的角色人物出发，既要符合角色的人物性格，又要符合故事情节的发展，任何脱离角色的语调，虽然可能会显得“很动听”，但是却不符合表演的需要，这种本末倒置的表演方式，是不能打动观众的。

在才开始接触表演的学习过程中，我也是常常扮演角色太自我化，感觉演啥都是演到自己，在《闪婚》片段中，“你走吧”这句话是一个妻子对丈夫的驱赶，由于年龄的差距，生活的阅历不够我一时找不到合适的表演方式。这样的表演只会给表演对手产生负面影响，导致观众不认可你的表演。后续的慢慢摸索明白塑造一个角色其实需要很多功课要做，通过贯穿的语言、情感等动作线找到最高任务才是创造角色的精髓。运用生动的语言才能将人物情感生动的表达出来，这是一个很重要的基本功。

四、控制

（一）服从角色

在表演中演员不能把自身的任何情绪带入到角色情绪之中，一个优秀的演员应该对自身进行艺术创造的同时将剧作家对人物角色情绪的塑造绝对服从，因此演员要做足够的案头工作，例如故事发生的时间、背景、矛盾冲突、人物关系等进行分析。

演员对角色情绪的理解需要多分析和推理，如果一个演员易动感情就很难真诚的连续两次以同样的热情去扮演同一个角色并获得相应的成功。我在扮演《驴得水》中的张一曼就是如此，如果我在第一场表演中就异常热情冲动，那么在第二场表演中我就会感到筋疲力尽。反之，若我将人物情绪控制理性化，也将自己对人物的理解做到自然化，当我首次登台表演角色时，在表演的同时观察观众和对手的反应，表演不但不会减弱，还会得到新的思考，角色的感染力还会增强。不管是哪种表演，演员的演出风格都要服从整部剧的感情色调。这才会最大程度的体现真实、自然以及接近观察生活。

在台词课上我朗诵了一首《姥姥我想你了》，上台前因为前期的理解不够，情绪在朗读文章时没有到位，自我感觉诵读的氛围都不高涨。当即，老师对我的诵读作出了点评，指出我在朗诵的过程中针对情绪的问题如何理解文章情绪并服从角色情绪。而后老师建议我重新去观看原作品的诵读，在技巧和情感的综合之中是如何在舞台上既有表现力又将作品情感丰富化。最后，在老师的指导下我带入了情境之中，慢慢的带入自己、带入情绪并去服从角色情绪，然后根据自己在生活中熟悉、理解、感受、积累的素材，进行了艺术构思的想象，在内心造成了相应的情绪，激起了相应的体验，这样的演出才算成功。

（二）调节自身

在表演中，有时嚎啕大哭不如欲哭无泪的伤心，开怀大笑不如喜即而泣的喜悦，情绪更是需要演员本身去拿捏。暴怒使人丧失理智，情绪过于激烈容易冲昏头脑让人很难控制自己，但理智可以对它进行干预避免行为和言辞出格。在演员塑造角色的时候应当充分调动演员的情绪，来达到饱满效果。一个演员在创造角色时，首先要运用心理和生理的元素和材料，这些因素的综合才是一名感性的演员，但切记不能带入自己的情绪去表演。过于冲动会让角色夸张化，不自然，观众进入的情感容易被冲击出来。这样演员塑造的角色就是失败的。如若情绪也影响了肢体语言的控制对演员的角色也是有危害的。所以表演者在充分调动情绪的同时也需要注意控制较大的情绪波动，这样才能在舞台中的表演之中流露自然情绪，让观众受到强烈感染。

在最初的表演学习之中，演员在表演时身体会出现非正常状态，比如手脚僵硬、呼吸急促、表情控制失灵等状况。为了解放天性，我们做了许多练习，比如小鸡出壳、小树发芽、雪糕融化、放大练习与缩小练习等，通过这些练习让演员的肌肉可以受到自身的控制。只有消除了肌肉紧张并让它处于松弛的状态，演员在表演时才会表现得自然化。肌肉过于紧张会让身体出现对外部环境的不适，这会让演员紧绷神经，是不利于表演的，更会让演员的情绪出现失控的现象。除此之外演员还可以通过抱团、抢凳子、煎饼贴等游戏，通过互动可以练习演员的专注力。在表演之中，演员在饰演的角色时，首先要保证自身不能出戏，如何自然地进入角色的特定情境之中？不仅需要高度的注意力，更需要演员的情绪松弛、自然的进入其中。另外在无实物表演里，演员可以通过对生活的观察，在行动之中加入相应的情绪，在提高注意力的同时，发挥了自身的想象力。对表演艺术加工后，也对表演中的情绪产生了自然的流露，这样的情绪记忆是需要演员要记住的。

通常演员在表演前都会说准备好了就开始你的表演，那么准备好了便是下意识的让自己处于平静状态进入表演角色之中，也尽快的调节好自身的情绪投入到演员的情绪之中。演员从现实生活中切换到角色身上才开始时不会那么顺畅，会带入自己的情绪。如果是相似的情绪，可以运用到情绪记忆，它是演员在创造角色中调动自己过去体验过的情感和激情的记忆，可以唤起人物相应的情绪与情感。

在《我在天堂等你》中，我饰演了白雪梅这个角色，她68岁是个退休干部，现实中我和她年龄相差悬殊，一开场就是哭戏，是对欧战军将军离开的痛苦哀悼。这个角色让我颇有压力，我也没有一样的生活阅历，老师从侧面开导了我，让我想象成一个和我特别亲近的亲人，现在这段话就是对他说的。我联想到了刚刚大一正是期末考试期间外婆的逝世，唤起了我同角色在某种规定情境中的类似情感和激情，在体验角色的同时用情绪记忆的材料加以补充，使体验感更具魅力和感染力，让角色的创作更加丰富和完整。

在排演《桑树坪纪事》时，表演的片段是为了傻哥哥娶上媳妇母亲远嫁女儿互换哥哥媳妇的故事。我们为了这个本子准备了很久，在表演的时候观众的现场反应效果很好，但在母亲为女儿梳妆打扮时发现梳子的道具没有带上来，表演母亲的演员有一丝慌张，情绪和心态面临着崩溃，此时在后台候场的哥哥把梳子拿了出来，上了舞台你就是那个表演的角色，哥哥傻乎乎的跑出来拿着梳子在舞台上说了一句“好漂亮的东西啊”并在手上晃来晃去，母亲见状赶紧过去拿梳子，并让哥哥离场，及时的补救让表演继续。在此次演出过程中演员们保持了相应的心态和情绪，表演结束后大家也都在反思，失误可能会打破你的乐观情绪，也可能导致现场的氛围从高昂变得低落甚至可能会出现嘲讽，救场的技能一定是我们需要锻炼的，除此之外调节好自己的情绪，现场会因你而绽放。

综上所述，我通过多次上台表演前的自我调节，总结出以下几点能够有效地帮助我们去更好的融入情绪：1、丰富自身的情感素材，戏剧要求演员通过自我表演去反映真实的故事情节，这就要求演员在日常生活中去仔细观察，注重生活中的细枝末节，努力记下每一次自己或者他人在各个情绪下的表现，并且吸取优点去融入自己的作品表演。2、通过想象力去辅助情绪，演员的自身想象力必须是真实的，合乎情理的，有凭有据的，这样关于情绪的想象才能够更好的去推动舞台作品的发展。在现实生活中，并不是每一种情况我们都能够遇见到，从而我们自身就会缺少有关的情绪经验，演员只有通过其他演员在表演中的情绪表现，来想象自身在这个剧本中的情绪，配合自己的理解，从而达到积累不同情况下的情绪储备。3、自身情绪与作品情绪的相互融合，演员自身在表演过程中的情绪控制是否得当是整个作品呈现的关键。剧本本身就是需要演员进行二度创作的，在这个过程中演员就是需要结合角色本身和演员本身的情绪，二者相互交织相互融合，在通过演员的得当控制才能完美的对角色进行塑造。

五、意义

情绪是每个人最难控制的，喜怒哀乐，遇到的事不一样所表现出的情绪也是不一样的，遇事的时候是平静的情绪表现还是激动的情绪表现都是情绪的变化，情绪也是最直观可以表现出来的。但在舞台上的你与台下的观众是会有鲜明的区分的，你的情绪表现都是这个规定场景中的领导者，也是给表演对手的氛围带动。情绪控制的关键在表演者对于自身在舞台上情绪的把控。你的情绪会决定此时此刻这个场景之中应该具备什么样的气氛。在戏剧表演的情感表达中，在作品的真情实感中，我们运用恰当的语调吐字，形体动作并且结合相应的表演技巧才可以将戏剧中的人物情感表达出来，能让观众直接的感受到角色的情绪。它直接会关系到表演者在舞台上对于戏剧的感染力和观众的观赏度。

六、总结

有效的情绪控制可以结合剧情发展和舞台氛围把人物情绪充分体现出来，给观众更加直观的体验感，实现表演者和观众的情感共鸣，塑造出具有鲜明的人物性格和人物形象。除了控制情绪之外对于角色的塑造也离不开信念、感受力等演员素质。以上反之，都会脱离观众让人跳戏，以及使搭戏对手感受错误情绪使后续表演失真。演员在舞台上情绪的合理控制，不仅能够推动剧情的发展，对于剧情中的人物形象也起到了重要作用。

参考文献

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致谢

四年时间的大学表演学习转瞬即逝，毕业在即，心怀感恩。首先，感谢东莞理工学院城市学院艺术学院对我的培养，感谢东莞理工学院城市学院艺术学院领导以及表演教研室导师组所有老师对于毕业论文的大力支持。其次，感谢我的父母及家人对我的关爱和支持。然后，特别感谢我的导师梁贝副教授对我的关心、爱护和培养，感谢他对我专业的教授，感谢他对我的毕业论文的悉心指导。最后，对四年来教授过我知识、给子过我帮助的所有老师和同学也一并表示感谢。