浅谈爵士和声以及节奏型在吉他上的应用

摘 要

爵士乐起源于十九世纪末、二十世纪初的X南部一个亚热带城市：新奥尔良，在布鲁斯（Blues）和拉格泰姆（ragtime）的根基之上发展和演变而来；爵士乐节奏特色鲜明、细碎化，和声复杂，即兴创作和摇摆。爵士乐的兴起不仅是一个重要的世界性音乐现象，而且还占据了一定地位。爵士乐是一门运用跳动的节奏勾勒氛围、运用丰富的和弦扩大和发展和声语汇的音乐艺术，具有其无与伦比的魅力。历经一个多世纪的发展，爵士乐已然呈现出了百花齐放的局面。

在演奏爵士乐的乐器中，常见的有钢琴、爵士鼓、小号、萨克斯、贝斯或低音大提琴（Double Bass）等等，吉他在早期的爵士音乐演奏乐器中并不是不可或缺的乐器，甚至在一些重奏或者是某些曲目的编曲中都是见不到吉他这门乐器的影子的；但是，随着音乐形态的发展和演变、电声乐器技术的进步、演奏家的努力及突破之下，也发展出其对音乐独特的表达方式和独有的特征；在爵士乐多样化的发展时期占据了重要的地位，尤其是在爵士乐某些分支或者风格之中，更是起到了十分重要的作用。

本文仅粗浅探讨了爵士和声与节奏在吉他演奏中的运用，笔者认为，无论是何种音乐形态或者乐器，不仅要有扎实的基本功，更需要通过由浅入深地扩充音乐理论知识去加深对于乐器和音乐艺术的理解，才能更有内涵地提升演奏能力。

关键词：爵士音乐；爵士和声；爵士节奏；吉他；运用

一、绪 论

（一）问题的提出

自爵士乐诞生以来，爵士乐对诸多音乐形态起到了深远的影响，如流行音乐、前卫金属及古典乐等等，爵士乐的和声与节奏为听众带来不一样的听觉体验。相对于更严肃谨慎的古典音乐，爵士乐体系更加灵活。吉他早期在爵士乐里面有时候并不是不可或缺的乐器，但如果把爵士理论与实际演奏相结合并运用得当，可以创造非同凡响的效果；笔者作为进修爵士吉他演奏的学生，也希望能通过学术研究的方式，巩固自身所学理论知识、开拓视野，并加深对于爵士乐的理解与感悟、将爵士理论更好地运用于吉他演奏之上。

（二）本论题的意义及相关研究动态

相比发展时间更长的古典音乐，爵士乐目前在国内的受众范围仍然有些狭隘，以至于有一些人会认为即兴只是在乱弹、声音不和谐就是爵士乐等等；实际爵士乐在二三十年代便进入了中国、在上海落地开花，经历了短暂的闪耀后，便逐渐隐退在国人的认知里；而爵士乐在国外则有着旺盛的生命力，在每座城市的角落都藏着爵士乐，它以朦胧的姿态向听众传达着自由、愉悦、包容、人文的爵士乐精神。爵士乐近年来逐渐在国内复兴，并且吸引了越来越多的听众，但是对于爵士乐的相关学术研究仍然不如古典乐或者民乐相关的课题研究的数量积累，尤其是爵士吉他相关的选题，笔者通过查阅书籍及搜索网络资源，虽然有一些对吉他应用的风格、吉他在爵士乐中的演变以及爵士和声在电贝斯上的运用等研究，但是对于爵士和声以及节奏型运用在吉他上的相关研究仍然少之又少。因此，该论题具有一定的理论研究价值和较强的指导意义，可为以后相关类型的研究形成助力；笔者通过长期的学习、练习和演奏，已积累相关经验，掌握了一定的演奏技术，也希望通过本论论题的学术研究提升自己的音乐素养与演奏能力。

二、丰富的爵士和声

爵士乐是一门和声的艺术，与博大精深但深受规则限制的古典和声学相比，更加具有不可预知性和丰富的可能性；因为爵士乐讲究即兴，即便是相同的主题旋律、和声进行，在不同的爵士乐手的演奏中，都会根据和弦选择不同的音阶与琶音以及加入一些即兴的素材为音乐增添更多的可能性，而想要在爵士乐里自由即兴需要练习大量的基本功，其中，音阶、琶音与和弦，三者相辅相成，是横向与纵向的关系，也是最重要的基本功。

（一）音阶/琶音/和弦的名称及在吉他上的应用

1. 音阶和琶音的构成

音阶和琶音是很好的即兴素材，爵士乐所用到的不仅有中古调式音阶，演奏者通常还可以加入大/小调五声音阶（pentanote Major/Minor）、旋律小调音阶（Melodic Minor）、布鲁斯音阶（Blues）、和声小调音阶（Harmonic Minor）等等。因篇幅有限本文仅粗浅分析中古调式音阶、五声音阶以及旋律小调音阶的运用。

其中，中古调式是爵士乐以大调音阶为根基，借用中世纪教会相关理论，利用音程关系，使大调音阶的每一级音都能作为根音（Root）、全部都是自然音、没有变化音、可以用大调的概念来理解，也就是把每一个音当成主音，扩展成为七个音阶，或称为音阶模式（Scale Mode），得出下图：

以C自然大调为原始调性，中古调式对应的基础和弦为：

C Ionian：C Major、C Major7

D Dorian：D minor、D minor7

E Phrygian：E minor、E minor7

F Lydian：F Major、F Major7 F Major#11

G Mixolydian：G Major、G Dominant7

A Aeolian：A minor、A minor7

B Locrian：B dim、B minor7b5

中古调式由任意一个内音作为主音，得出“主音+调式名”的七个音阶，例如：C Lydian调式由C、D、E、F#、G、A、B构成；G Ionian调式由G、A、B、C、D、E、F#构成。七个中古调式的音虽然排列出来是一样的，但是整个音阶的味道会随着排列方式而变化，就好像大小调明亮和悲伤的色彩区分。在对应和弦的应用上，可以考虑搭配该和弦的属性来应用，比如：可以在D Major#11和弦上使用D Lydian、A Dom7和弦使用A Mixolydian、Am6和弦使用A Dorian，如果是在II级、III级、VI级minor7选择Aeolian、Dorian、Phrygian调式的音阶，也会为音乐听感创造更多的可能性。

五声音阶（Pentatonic Scale）常用于布鲁斯、摇滚乐、金属乐等风格中，在爵士乐中运用得不多，适度运用能起到出其不意的效果。顾名思义就是由五个音所组成的音阶：

以C和弦为例，五声音阶是以中古调式中C Ionian、C Lydian、C Mixolydian三个音阶模式组成音里不变化的五个音所组成的，因此，五声音阶是针对一个和弦的音阶，比如C大调的1、4、5级C、F、G，这三个和弦对应三条五声音阶：C C D E G A；F F G A C D；G G A B D E，1、4、5级可以与对应的关系小调共用一条。

旋律小调（Melodic Minor）在古典音乐中一般是下行还原VI、VII级，但是在现代音乐特别是爵士乐中，下行一般不还原，因此在爵士乐中又称为爵士小调（Jazz Minor），如下：

根据图表可知，旋律小调其实就是在自然大调的基础之上三音降半音得出，在爵士乐学习过程中这个是一种快速理解的办法。旋律小调每一个音在调里面都有一个和弦，分别对应的和弦为I级minorMajor7和弦、II级minor7和弦（可以使用原音级和弦对应的旋律小调音阶作为主要音阶以及降全音音级的音阶）、III级Major7#5和弦、IV级与V级Dominant7和弦、VI级与VII级minor7b5和弦。也可以在在一个变化属七和弦（Dominant7Alt）里用其上方小二度旋律小调音阶来即兴演奏（如在G7Alt和弦上使用Ab旋律小调、C7Alt和弦上使用Db旋律小调）。

琶音（Arpeggio）是指和弦内音由低至高或者由高至低依次演奏的一种形式组合，可视为分解和弦的一种，音阶与琶音是构成音乐作品的基本元素。其次，琶音的练习在任何乐器的演奏之上不仅能提升手指灵敏度和肌肉力量，还能通过琶音的练习更好地体会不同的音程、调式风格、和弦特性以及声音之间的距离感。调式音阶对应的琶音有四种：

琶音是分解和弦的变体，在爵士乐即兴中的地位十分重要，每一个学习爵士乐的学生都需要大量练习琶音，并且在爵士吉他实际演奏或者即兴中去运用琶音思维。许多爵士标准曲或者融合爵士乃至布鲁斯等音乐中，分析乐句时都能见到琶音的运用，而日常练习可参照上面图表，根据对应和弦选择琶音，可以不按顺序也可以不用全弹出来，也可作为过渡音阶的连接。

2. 和弦的组成音与变化延伸音

即兴是爵士乐的基本元素之一，我们在日常聆听或练习爵士乐的过程中，往往会把即兴Solo的部分放在第一位，却忽视掉伴奏（Comping）的部分，但是爵士乐不仅仅是即兴的艺术，它也是一门和声的艺术，所以即兴伴奏和和弦的选择也十足重要；如果把旋律比作高楼，那么和声就是支撑高楼的基石，所有的即兴都是建立在和声之上的。

和声，由两个或两个以上的音同时发出声音，和声中的音符不是随意选择的，任何和声的使用都有特定的功能，它直接关系到使用和声的目的，用以创造出和谐或紧张等等不同听感色彩。通常我们会把两个音按照音的距离称为音程，而通过一定音程关系、由三个音或者是三个音以上的音所构成的音组，称为和弦。

三和弦组成音如下：

三和弦是和弦里最基本的和弦，在所有的音乐中都有可能存在，尤其是在一些摇滚或者民谣等等风格的音乐中运用的比较多，以上表格简介了三和弦（Triad）的不同属性的组成音和记忆方式，但是笔者在学习爵士的过程中导师教授了另外一种道理相同但是更加快速的记忆方法，例如；大三和弦是大三度加纯五度，增三和弦是大三度加增五度，这样便能在实际演奏中更快地反映和弦音程。

七和弦是让爵士乐变得更加有灵魂的一大要素之一，在现代音乐里，无论是黑人音乐，或者是流行音乐，现代乐的乐手都需要学习并掌握大量和弦，在吉他上和弦从简易的按法到复杂的按法积累下来的数量足足有几千种，基础七和弦组成如下：

如表格所示，七和弦是在三和弦的基础上加上七音，并且与根音为不同的七度关系，如大七和弦是大三和弦加大七度、属七和弦是大三和弦加上小七度。

七和弦因为比三和弦多了一个音，所以和弦色彩更加开阔，以C Major7（C、E、G、B）为例，拆分组成音可以发现C、E、G组成了一个C和弦；E、G、B又组成了一个Em 和弦；因此，可以把七和弦当作是两个和弦的叠加；也因为七和弦同时有大小三和弦的色彩，所以七和弦听起来不会像三和弦那么色彩明确，非常开阔和迷人。

实际演奏中的和弦运用不仅仅只会用到基础的三和弦或者七和弦，可以通过和弦音的扩展、延伸和变化来丰富和弦的听感。三和弦的扩展可以加9音变成Add9、将3音变成2音或者4音变化成Sus和弦、可以加上6音或者降6音变成6和弦、降6和弦、也可以同时加上6/降6音和9音扩展为69/降69和弦。不同属性的七和弦则根据属性选择延伸音（Extension），如Major7延伸音为9、#11、13音；minor7延伸音为9、11、13音；minor7b5延伸音为9、11音；mM7与Major7#5只有一个9音作为延伸音；Dom7自然延伸音为9、11、13、变化延伸音为b9、#9、b5（#11）、#5（b13）；变化延伸音所组成的变化属七和弦（C7Altered）在爵士乐中是非常重要的一个和弦。

（二）和弦转位的听感色彩及在吉他上的应用

在和弦的基本形态中，不止有原位和弦，还有转位和弦，并且无论是三和弦或者是七和弦，加上变化延伸音的和弦也都可以转位。和弦转位既可以达到使低音平稳进行，还能让和声更加丰富多彩，通过转换同一属性和弦的排列方式，制造多变的声响效果。

1. 和弦转位后的听感色彩

所有三和弦都可以转位，转位即是重新排列和弦内音以及延伸音的顺序，尽管和弦的组成音是一样的，但是音与音的分布距离（音程）既有展开的，也有收缩的。对于和弦听辨能力较差的人来说，原位和弦和转位和弦的听感相差无几，所有的大调和弦听着都是“明亮的”，所有的小调和弦听起来都是“暗淡的”，但只要我们多加练习耳朵对音乐的敏锐性，我们会更好地感受和弦原位和转位的声响效果。

以三和弦为例，第一转位和第二转位听起来会比原位和弦更“宽敞”、更“大气”。而在七和弦当中，由于七和弦的转位造成了音的“扎堆”现象，制造出强烈的不协和感，听起来觉得空间变狭窄了。以CMajor7第一转位（E、G、B、C）为例，该和弦的七音B与根音C形成了小二度音程，制造了强烈的不协和感和紧张感，而原位七和弦听感则会更加分散。还能根据人耳对高音更加敏感的特点，通过转位和弦的高音形成旋律线，便能使演奏既有主题旋律，又有和声，会比单独演奏旋律更有丰满的声响效果。

2. 和弦的根音/低音形成的低音线条（bass line）

在演奏中只弹原位和弦虽然不意味着是错误的，但这样只能做到根音到根音的变化，难免过于生硬，听起来也索然无味。但如果低音编配的好，是能起到画龙点睛的作用的；而和弦转位便能平稳过渡低音、使和声连接更加顺滑、并且利用不同内音排列方式制造不同的声响。和弦转位通常称为斜线和弦，以C和弦第二转位为例，记法为：C/G。当然某些和弦会拿和弦外音甚至是离调音做低音，本文暂不探讨。下面分析一下如何使和声进行形成低音线条：

以C调为例，I级连接VI级，可以在在I级使用原位和弦，VI级使用了三音（C）为低音，前后两小节的低音相同，和声进行可以平稳过渡到下一小节，如下图：

同样是I级连接VI级，也可以在两个和弦之间加入G7/B或者Eminor7/B，通过VII音到VI级和弦，达到低音线下行的效果；并且两个和弦不同的属性也能起到不同的听感。如下图：

在和声较多的进行中，同样可以考虑和弦级数选择转位和弦低音去改变低音线条上行级进或者下行级进。如下图，分别是建立在I-V-VI-IV的低音线条上行级进与建立在I-V-VI-III-IV-III-II-I的低音线条下行级进，使和声进行听起来更加舒服:

3. 应用挂留和弦、附加音和弦为基础和声进行丰富听感色彩

挂留和弦（Suspended）指用二度音或者四度音替代和弦的III级音排列组合而成的和弦，根据所挂留的音在谱例中记为Sus2或者Sus4；一般会用在I级或者V级。这种和弦因三音被替换掉，仅靠根音或者五音难以定义和弦属性，因此也称无调性和弦。三和弦、七和弦、九和弦等等，都可以加上挂留音。挂留和弦的听感十分清晰，因和弦存在不稳定音程（大二度），需要解决到稳定音级和弦，但在现代音乐的运用中，有时并不会解决，只是用来制造与原来的和弦不同的听感色彩，取决于演奏者想如何演绎和声，这种和弦不存在调性，滥用可能会破坏音乐的情绪，适度运用则能产生独特的美感。

在众多和弦的大家庭中，除了挂留和弦，附加和弦（Addition）也是常用的色彩和弦，记法为和弦+add+附加的音；如C大三和弦加9音记为Cadd9。一般用在I级或者IV级（听感上较干净）、II级或者VI级（比原本的小三和弦更加暗淡。

4. 和声进行与和弦的应用

传统和声的魅力在于对和声进行的“期待感”，而爵士和声的魅力则在于通过加入变化延伸音、通过不同的编配方式寻求不同的声响效果（Voicing）。爵士乐很有意思的一个特质是，它有无限的可能性，和声进行的排列顺序、运用不同属性的和弦的张力（Tension）、负极和弦（Negative Harmony）、代理和弦（Substitution）等等。和声作为一个情感载体，可以改变旋律的色彩，为旋律注入情感，里面可以选择的音越多，旋律可能听起来就越扣人心弦；就像一门语言，掌握的字词越多、能表达的也就越多，为我们提供更多的细节来讲述一个故事。换成和声来理解，就是在这个和弦当中加入多少音从而使它听起来与众不同。有的时候编配和声是有些难度的，选择太多了，可能性也太多了；和声是变化万千的，一个旋律音就能够配出数十个不同的和弦，所以明白自己想要什么样的效果至关重要。由于和声进行实在是数不胜数，因此本文仅挑选Jerome Kern的《All The Things You Are》最后八小节举例：

《All The Things You Are》是一首著名的爵士标准曲。这首乐曲最后八小节的和声进行值得细细学习，它从DbM7和弦开始，经过Db mM7、Cm7、Bdim7连接到Bbm7、Ebdom7、AbM7结束。Bbdim7在Cm7和Bbm7中间起到过渡作用，DbMaj7连接到Dbm7、以及Bbm7（ii）、Ebdom7（V）、AbM7（I）是爵士乐中很常见的和声连接，练习这些进行有助于在其他标准曲上做好伴奏。第一小节的DbM7，可以运用DbM9、#11或者DbM#11；DbmM7受大七度的限制，DbmM9是唯一的选择；Cm7可以根据实践得出想要的听感选择加入9、11、13音，笔者的运用是选择十一音，声响效果比较温暖；Bdim7由于是三个小三度堆叠而成的和弦，由于再加上一个小三度便回到根音，所以不用扩展；Bbm7同样可以选择9、11、13音作为延伸音；Ebdom7既可以选择9、11、13音，或者用2、4级音代替三音变成挂留和弦，也可加入变化延伸音，笔者的用法是加入13音和b9音将其变为Ebdom13b9，获得一个更有爵士味的声响；最后的AbMaj7则是可以加入9、13音，或者把原本的5音升高半音使和弦变为AbMaj7#5，变成一个有紧张感的主音和弦。

三、跳动的节奏型

节奏的多变、节拍轻重音的颠倒使爵士乐具有“摇摆”的特点，跨小节的连续切分经常将原有节奏移位，使音符的出现变得飘忽不定；爵士乐的节奏也是铸造爵士乐的基本元素之一。

（一）节奏与节拍

1. 爵士乐的节奏及应用

在爵士乐中最重要的一个节奏型，就是摇摆乐Swing的八分音符的节奏。Swing八分音符跟其他的音乐流派的八分音符是完全不一样的，常规音乐的八分音符是按照成双的八分音演奏，而“Swing”八分音是以3为单位，有着弱拍重音的特点，强拍在二、四拍，将三连音三个拍点中的第一及第二个音用连接线连起来，节奏就有了轻盈跳跃的感觉。爵士乐会有不同的节奏记谱方式，例如二八，小附点等，都可以弹成Swing的节奏型。

Swing节奏型：

如果说Swing是爵士乐的节奏灵魂，那二四拍则是Swing节奏的灵魂，摇摆乐里最能够带来“Swing”的感觉的正是由二四拍和Swing节奏型组成的节奏形态。这里所说的二四拍并不是4/2拍，而是爵士摇摆乐在4/4拍里把重拍落在二、四拍；在爵士乐 里面，无论是军鼓，钢琴，吉他等等乐器，都在强调二四拍。

爵士乐同样运用到了不同的切分节奏：先现、后现、休止、延留；用切分节奏前移或后移重音产生律动变化，形成反拍律动。因节奏不是一成不变的平稳进行，故而带来与平稳节奏相反的律动感；以下图原曲为例：

先现切分：将原本的音前移半拍（先现音）：

后现切分：将原本的音后移半拍：

休止切分：将音符前移后原本音符（休止）：

延留切分：运用延留音使被延音后现半拍：

2. 律动（Groove）的重要性

律动是爵士乐的精髓所在，也是诸多根源音乐的灵魂。把爵士乐作为一个整体，远远不只有声音与色彩，爵士乐的灵魂也在于律动。乐理相关的学习固然重要，但是音乐的音是只有12个的，即使音域不同，超出了一个或者几个八度的音，归根结底还是12个音中的一个音。而在爵士乐里，错音未必会“错”，但是如果律动错了，那即使是正确的音也救不回。

（二）节奏的练习

爵士乐节奏的复杂性并不只是复杂节奏的变化，而是在于它的复合性，因为节奏和旋律或者是和弦是要同时考虑的，因此在练习节奏时，一般建议用二四拍的节拍概念去练，数拍子的方法从原来的一二三四，变成（空）二（空）四，重拍对身体协调有影响，只有通过二四拍的练习，才能更深刻地体会Swing的律动。例如100BPM的二四拍练习，节拍器只开50BPM，节拍器响为二四拍，间隙为一三拍；一、三拍虽然是空缺的，但是练习时应在心里数出来；并且加入音符、建立旋律与节奏相关联的练习，先视唱，再演奏，掌握了简易的内容再逐渐加强难度,比如加入延音线、倚音、套拍等。

1. 正规节奏

正规节奏不外乎一些二分音符、四分音符、八分音符等等或者由不同时值音符组合而成的节奏型，都可以由浅入深，这里不多做赘述。以下图ii-V-I-VI进行为例，每一个小节单独练熟再连接在一起练习，可延伸出更多不同的节奏组合变化，如图：

2. 切分节奏

切分节奏通过前移或后移重音产生律动变化，改变音乐进行中音的强弱规律。同理，切分节奏的训练也应该先从最简单的开始、均匀打拍、注意强调切分音；熟练之后加深难度，加入前文所列的四种切分节奏、延音线、休止符等等不同变化，配上不同的旋律与和弦来练习，如图：

3. 重音移位

语言中的重音，能强调语义和情绪，音乐中的重音，能表达与抒发乐句的情绪。重音移位将乐句的节奏重音进行转移，使节奏与律动更加丰富多变，并且可以通过不断练习锻炼乐手对各个位置的强弱音的规律。以下图为例，依然是用二四拍来练习，重音发“Da”、制音发“Ci”，先模唱熟悉，再演奏节奏：

重音移位不仅可以这样去移动重音，还可以通过套拍技巧、固定一组音符、套进规定的节拍里，可以延长乐句的旋律线、也可以打破循环感死板的段落、创造比常规节奏更意想不到的律动。比如4/4拍套大三连音，也就是俗称的四套三：

如果在实际演奏或练习中凭感觉去弹，那总是会有错误的概率的；因此，可以借助小拍子，利用连音和拍子的公倍数，均分重音的位置，便可以正确地练习套拍，如图：

四、吉他的演奏特点及CAGED把位系统的快速应用法

吉他，又称六弦琴；作为和声乐器，吉他拥有着强大的演奏能力及富有特点的音色，被运用于多种音乐风格中，因此普及程度高，也吸引了许多的人学习。

（一）吉他的原理以及特点

1. 原声/半空心/电吉他的区别与特点

原声吉他分古典吉他、弗拉门戈吉他以及钢弦吉他（又称民谣吉他）,面板、侧板和琴颈等运用到了多种材质的木头制作而成，如云杉木、玫瑰木等等；加上所用琴弦的种类、张力等不同，因此拥有着不同的音色，如民谣吉他一般装配了钢弦，因此音色明亮、清脆；古典吉他和弗拉门戈吉他外观区别不大，基本都装配音色温暖圆润的尼龙弦，但是制琴所用材质不同，面板的松紧程度也不相同，这两者虽然多用在古典乐或弗拉门戈的曲子中，但其实在爵士乐里也能听到它们的声音，比如波萨诺瓦（Bossa Nova）风格，日本波萨女王小野丽莎的曲子几乎都是用古典吉他来演奏的。

半空心吉他（拱面吉他）其实严格来说也属于原声吉他，原声吉他琴体为全空心，半空心吉他则如名字一样为半空心、面板拱起、有一个或者两个“f”形音孔，并且一部分在出厂时还配备了颤音系统；其音色特质比起别的原声吉他更加偏向甜美柔和，笔者认为其音色有着恰到好处的浑浊感。

随着科学技术的发展、电子技术的进步，电吉他应运而生；电吉他及其衍生的产物可以说是越来越先进、也衍生出了七、八、九、十弦等等不同弦数、运用碳纤维等特殊材料制成的品类；还有一点与原声吉他区别较大的则是发声原理不同，除了搭配不同的木头材质得到不同音色，还能通过配备不同的拾音器、效果器以及音箱前后级等等创造音色、获得音色；电吉他还会运用到固定琴桥，以及搭配不同的颤音系统的两点式、六点式琴桥。电吉他玩法以及功能是吉他家族里面最丰富的。

对于大部分的听众或者音乐爱好者来说，比较熟悉的吉他莫过于原声吉他（民谣）以及电吉他，因两者大量运用到流行乐当中，出镜率较高。吉他及相关产物不仅仅只有这些，本文仅采用标准调弦的六弦吉他举例说明，因为无论是何种吉他、乐器，乐器除了感性上的情怀、其存在只是实现声响效果、音色等的工具，而爵士乐的包容性足以覆盖乐器本身的特性。

2. 吉他的原理和演奏技巧

原声吉他、半空心吉他的发声原理为琴弦振动、经过箱体共振、放大声音；电吉他则是通过弦振动切割磁力线、磁转电、再通过拾音器、连接线、音箱而产生声音。吉他的琴颈上排列着一格格品位，从第一品位开始逐渐由宽变窄；低音弦在上、高音弦在下；音高排列为相邻品位：半音，相隔一品：全音，根据440HZ的标准调弦法，音高为：六弦E、五弦A、四弦D、三弦G、二弦B、一弦E，由低音到高音同一品位两根弦的音程关系除了三弦和二弦为大三度，其他的皆为纯四度。

吉他的演奏技巧有许许多多，不同的吉他和左右手都有一些独特的技巧，比如原声吉他可运用的拍板技巧在电吉他上就难以施展、圆滑音技巧也只能在左手实现，当然也会有一些通用的技巧，如：点弦、混拨、扫拨等等。因吉他上的技巧涉及过多，笔者仅挑选一部分较常见的的来说明。

首先是推弦，在所有的吉他技巧中，推弦为乐句渲染不同的情绪，最具有表现力；推弦还衍生了的同音推弦、双音推弦等等。连奏也是一个笔者常用的演奏技巧，尤其是在快速演奏的曲子中，可以消除拨片过弦时音的停滞感，让音符连接更加顺滑。圆滑音不仅在弦乐使用较多，在吉他上也广泛运用，圆滑音其实在吉他上就是俗称的击勾弦，既可分开运用，也可一起使用。在一些配备颤音系统的吉他上，摇把颤音也是个有代表性的技巧，可以通过下压或上提改变音高，也可以通过颤动制造许多效果，因此受到许多现代乐手的青睐。

（二）爵士和声与节奏型的实际应用

爵士和声与节奏型其实是一套理论体系，而当理论体系把握之后，则更考验演奏者对乐器的熟悉程度以及控琴能力。

1. 即兴

即兴如同说话一样，想做到出口成章，关系到语言学习的内容和素养；即兴也必须掌握使用的元素、并熟悉运用，才能做到有框架地即兴，而不是漫无目的凭着感觉乱来。即兴演奏之前，可以分析和弦、明确调性，思考如何在有限的和声、节奏、小节里，把想法融入乐句里，去表达出来；但有时候即兴演奏能让演奏者思考和声、音符以及节奏、构思乐句的时间并不多，则需要多加练习，达到快速了解和弦属性、在此之上逐步建立即兴内容的能力。

在日常的练习中，学者大多是把时间投入到元素与基本功中进行密集训练，那如果只用这一套来即兴肯定是枯燥乏味的。因为爵士乐存在的包容性以及不可预知性，许多爵士乐手只需要知道和弦的属性，便能够利用基本功的大量元素诸如琶音、不同的音阶等等，配合律动、呼吸，运用到即兴之中；也可以跟随和声进行，把脑子里构思的乐句用吉他弹出来，这也是许多乐手常用的技巧。

2. 结合爵士和声、节奏型，运用吉他产生声音

因为吉他琴弦的音程关系，指型换到任何一品都不会变，所以吉他是一个很适合转调的乐器；这也就涉及到了CAGED系统，CAGED系统很好地解释了吉他和弦、指板的原理，在理解和弦与音阶的组成上有很大的帮助，总得来说就是将和弦、音阶、琶音连接起来的桥梁、然后综合运用它们。CAGED系统也可称为CAGED指型，由五个特定和弦指型：C、A、G、E、D组成，它贯穿整个指板、能让吉他手对指板理解更透彻、每个和弦指型在指板的不同位置都有其便利之处。

爵士和声以及节奏型运用到吉他上不仅需要对理论有一定的了解，也包括对吉他的控琴以及手指机能等等，以一个CMaj7和弦来说，它可以用在CAGED的任意一个指型中，每个指型会有不同的效果，也可以使用Drop和弦制造不同的听感；在和声进行运用和弦时，可以加上不同节奏时值的替代和弦、经过和弦，加入切分节奏、重音移位等等；或者在一些指型中用空余的手指配合圆滑音、滑音等技巧，构思不同的旋律性。音阶与琶音也可按照CAGED系统进行板块划分，如C指型的A Dorian音阶、E指型的G Ionian琶音等。不管是在即兴或是练习当中，任何音阶、和弦及琶音的运用都可通过CAGED系统更快反应音符在指板的位置，并且配上不同的节奏，构建不同的声响、律动，尝试更多的可能性。

五、结 论

自爵士乐的诞生以来，爵士乐的发展就从未停歇；它反映了时代的变迁也塑造了了创作者们的情感；变化莫测的和声运用以及律动使爵士乐脱离了规矩的束缚、屹立在众多的音乐风格之中。吉他在爵士乐乃至现代音乐体系里也越来越重要。吉他不仅具有十分大的魅力，其演奏的能力也十分强大，它能有效突出主题，营造相应的音乐情境，利用不同的演奏技巧激发听众的情感共鸣，呈现良好的听觉盛宴。本文通过笔者的学习经历和对于爵士乐的感悟，结合爵士乐的基本要素进行分析、整理与实践，以巩固所学知识、提高专业学科的水平，并尝试给读者带来不一样的学习思维。爵士乐的学习未必是最难的，但它有一套庞大的基本功体系，想要做到真真正正的精通需要花费大量的时间，包括其他的音乐风格也是；因爵士乐涉及知识过于复杂，本文仅仅列举、浅析一部分爵士乐的元素。笔者认为，如果只单一的学习理论或练习乐器，不仅枯燥，效率也低；理论不应纸上谈兵，要与乐器构造结合，也要与演奏结合，以起到事半功倍的效果。学习爵士吉他也一样，只有把理论、吉他、演奏三者相结合、打破一成不变的思维、创造更多的可能性、才能使爵士乐演奏更加游刃有余。

参考文献

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[2] 张聪聪.浅谈爵士和声在电贝斯演奏中的巧妙运用运用[J].北方音乐, 2018.

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[8] Mark Levine. The Jazz Theory Book[M].上海音乐出版社, 2017.

浅谈爵士和声以及节奏型在吉他上的应用

价格 ¥9.90 发布时间 2023年3月28日

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