试论节奏在油画作品中的运用

　　摘要：表现生命是艺术的本质特性，而节奏性与艺术的生命是紧密相连的。节奏在油画作品中的运用能使该作品产生旋律、在静止的画面中给人以运动的感觉。它既是画面的组成部分,又是画面最终追求的目标。本文论述了节奏的概念与作用，节奏在油画作品的运用及表现方式、节奏的探索，巧妙在油画作品中运用节奏，使之更富有生命和活力。

　　关键词：节奏生命；目标探索

　　随着社会的发展，人类文明的进步，油画发展迅速，受到世界各国人民的喜爱。在油画发展的进程中，产生了许多油画大师，他们以精湛的技艺和卓越的思想为我们创造出了许多杰出的油画作品。他们在反映自然和社会生活的同时，充分发挥主观能动性，利用艺术美的规律，对现实想象大胆地进行概括取舍，努力探索及运用画面中的节奏，让结构形式更好的为表达画家的主观思想和为情感服务。从这些作品中，我们可以感受到触动心弦的美感，这给油画带来了强烈的震撼力。这就是为什么在摄影术如此发达的今天，照片仍然取代不了油画。在这种意义上说，在油画中追求节奏是必要的，因为油画创作是人类带有情感性的、具有创造性的艺术实践活动。

　　节奏是指有秩序、有规律的连续运动和变化。并非油画特有的艺术语言，它是客观世界万物生存、变化、发展所显示的普遍规律。节奏这个具有时间感的用语在油画中是指以同一视觉要素连续重复时所产生的运动感。在视觉艺术中，节奏表现为对造型各要素进行不同的排列和组合。作为是视觉艺术中美的形式要素之一，节奏是造型要素的显现规律和显现特征。节奏同造型要素及表现方式共同构成视觉艺术品，它在视觉艺术中占有至关重要的地位。因此，准确了解它的意义、内涵、表现规律等，是非常必要的。作品的节奏使油画作品中的各元素有规律有组织的结合一个完整的整体，即形式美与内容美的完美结合是艺术美的最高境界，使油画作品具有较强的生命力。

　　节奏有狭义与广义之分。许多教材中对节奏的理解通常把长短相同或不同的音按一定的规律组织起来叫节奏。大多说人通常按教材的定义把节奏理解为若干个音时值长短的组织关系，这是对节奏狭义的理解。这种理解比较表面，缺少对蕴涵的深层含义的理解。那么，蕴涵的深层含义应如何理解呢？

　　广义的节奏不仅包含音乐进行中各个音的长短组织关系，而且蕴涵着强弱拍交替即节拍，以及节拍的速度、重音、力度、动感等等多方面的因素，这些因素便是蕴含的深层含义。作为油画中的节奏，就是把各种不同的形态有规律地组合起来，使节奏在不断的变化中形成千变万化的油画世界。

　　因此，在任何一种情况下，节奏都不可能狭义的独立存在，它必然要包含着广义中的另一些因素，即蕴含的深层含义。因为它不可能没有速度、力度、强弱拍等因素，在这些方面作不同的处理，就会成为多样的广义上的节奏。当今大多说人一般都是注重描绘节奏的狭义的形象，实际上，在幅好的油画作品中，都可以十分明显地感受到广义节奏中的多种因素。只有通过去看，认真揣摩，才能真正理解节奏的广泛含义，才能领悟到立体性的、丰富多彩的富有生命活力的节奏魅力！

　　节奏在油画油画中的作用是不可忽视的,运用好节奏能给油画创作带来无限乐趣,使画面充满美感和活力。席勒在戏剧创作中节奏的作用，在油画创作中同样适用：第一，节奏的职能是指相互结合的内容上异质的东西同质化。油画中所有的色彩、虚实、笔触的对比可以用节奏的变化规律来处理。第二，节奏的意义在于选择重要的东西而排除次要的细节。在油画中有主体实次体虚、前实后虚、亮部实暗部虚。第三，节奏能为整个具体作品创造一个统一的审美氛围。第四，油画中突出主体，对次体进行虚化处理，使局部的节奏服从整体的大节奏，注重画面的整体。总之，节奏的变化是关系到画面全局的处理法则，一件油画作品的好坏常常取决于画家在节奏处理上的成功与失败。油画作品，无论是写实、写意还是抽象，总无法脱离节奏而随意地安排形象。如果油画作品中没有节奏感，那么就会失去力量，使人感到生涩和乏味；反之，就会给作品带来无限美感和强烈的艺术感染力。节奏一般分为两类：一是匀等的节奏，一是非匀等节奏。匀等节奏多见于音乐，是指以单一的、均等不变的节奏贯穿到底。而非匀等节奏则多用于油画。当此类型的节奏在疏密、长短、刚柔诸因素之间，反复地、有条理而又富有变化地排列时，画面中可产生一种丰富多彩、富有活力的生动局面，从而作用于观者的情感。当这些因素对比强烈，就有可能产生一种紧张的情绪，当这些因素配置协调，则往往会使人感到柔和舒适，不同的对比关系会产生不同的心理效果，无论是写实、写意或抽象的油画作品，我们都能体会到这种节奏的感染力。

　　一幅好的油画作品，无论是形的节奏、色彩的节奏、笔触和肌理的节奏都是为油画作品服务的，在油画作品中具体表现如下：

　　1、形的节奏

　　油画中形的节奏往往是通过取舍、变形的方法而得以实现。变形是世界上各种视觉艺术中通行的手法。这种手法早已被公认为是合乎艺术规律的，即使显得怪异也自有其特殊的审美意义。郝伯特•里德在他的《艺术的意味》一书中说:“甚至希腊古典时期的雕刻，也由于关心理想的美而采取变形的手法。以弥罗岛的维纳斯雕像为例，额头和鼻梁显得那样圆浑，这样的一切形象在现实中是从来没有的。”他把形象的理想化归纳为变形是言之成理的。变形是说根据人的意志而改变的自然形态，因此，变得怪异或变得完美都可以被认为是一种变形。美术理论家吴甲丰指出:“作画既是艺术家的一种创造活动，摹写自然时也总要按照自己的意愿而改变一些自然的形态及色彩。”形的节奏最初是通过形的理想化来实现的。在西方油画中形的理想化是指，把具有普遍意义的形进行归纳，使之成为油画创作和欣赏中的审美典范。形的理想化在其发展、演变过程中是以形的数理关系和形的心理、生理关系为基础的。在艺术理论家波留克列特斯的《法则》一书中，系统阐述了人体的比例，提出头与人体之比为l:7，手掌宽与脚的长度比例为1:3，手掌宽与小腿的长度比为1:6，这些人体美的标准至今在初学造型艺术者中沿用。但在油画的形体以及画面的构图中，总是理智地把特定的形式特征融注进去。如法国古典主义的普桑认为，“‘好画风’，就是古典的风格，高贵的风格，崇高的风格。为此，题材要重大，主题要崇高，构图要合理，描绘要合乎规范”。从许多具体的美的形体和形体关系中提出最理想的数比关系或几何形排列秩序，已还有典型化的性质，虽然这种典型化只是抽取出的一个空洞的数理关系。随着心理学的发展，使画家更多地从心理感受出发，从而形的意味得到进一步发展，节奏得到进一步的丰富。画家在规范要求画面的形体和构图的过程中，不再是公式般的数比关系，而是发展为心理感受。如塞尚认为，自然界的一切都“自己形成为类似圆球、立锥体、圆柱体”了。于是，形的节奏便由纯粹客观的数理关系发展为心理、生理秩序和自然秩序内外对应的关系，这是由客体向主体的靠近，形式的理想化逐渐地为感性所替代。塞尚的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。在塞尚的作品《塞尚夫人》里，画家故意将作为背景的墙壁“错开”以便同位置偏左并有倾斜的人体取得均衡。可见，在近代西方油画中，因理性的形式为主观情感所充实，形的节奏得到进一步发展。

　　2、色彩的节奏

　　在诸多油画要素中，色彩是油画最具有感情特征的因素，无论是对自然环境的时间和季节，还是传达人们的心理和情绪都有粉极强的表现力。由于色彩与光、感知个体、应用等关系，在油画中通过运用色彩的明度变化、冷暖对比和色彩调子等节奏的把握，是取得与加强情绪感染力内容相谐调效果的重要手段。色彩虽不能使物体成为经得住观照审视的美的对象，却能产生使轮廓线放射出光彩的刺激作用，可以使物体增强、添加引人的色泽。画面上色彩对比通常包括明暗对比、纯色对比、冷暖对比、及饱和度对比、补色对比等。由于各个民族、个人和流派的影响，形成了色彩在画面节奏的多样性和丰富性。在色彩领域，无数的艺术应用的可能性被发现出来。画面上色彩的节奏与形的节奏一样，同样是造成画面效果的重要因紊。德拉克罗瓦在构图中大力强调色彩的配合，但并没有忘记形状的表现性质；大卫在油画中强调以形状作为构图基础，以便表达出物体的相对静止的性质，但在这同时却并没有忘记使色彩更加柔和和更加系统。由于创作意识的差异，艺术家通常不以描绘大自然的本身为满足，为此，可以看出节奏是由主、客观两个方面构成的，它使色彩表现手段更为丰富。

　　画家对色彩节奏的感觉，还常因心理的变化而变化，不仅仅限于自然色彩的真实，他们更多地是夸大某种主观的色调，引起欣赏者的感情共鸣效果。油画中色彩的节奏具有一定的运动感，它包括纯净色彩与其补色并置而产生的颤动感，以及色彩的强弱、冷暖在画面中形成的进退感。色与形在某种特殊意义上都已充满感情的，方式融为一体。后印象派代表人物塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。“只有色彩是真实的……它能使万物生机勃勃”。所以，强化色彩是构织画面节奏的基本手段。

　　3、笔触、肌理的节奏

　　笔触与肌理作为油画视觉语言的构成元素，是以最终有效的传达作品的内容，并在画面中增强艺术感染力为自身目的的。是艺术家通过主观处理后在画面中呈现的节奏感。在油画作品中，笔触和肌理是很重要的油画语言，笔触和肌理历来是油画作品中的大问题，决定着一幅作品的好与坏，同时还体现艺术家自身的天赋、情趣、性格和艺术秉性。如凡•高、卢西恩•弗洛伊德等，这些优秀的画家在处理笔触肌理时总是表现出明显的风格。自然界的物象中本无笔触、肌理而言，正像自然界中也没有旋律，而是在音乐家的提炼和加工后才产生了旋律一样，笔触和肌理也是艺术家通过主观处理后在画面中呈现出的一种形式上的节奏变化。笔触和肌理运用得成熟，可成为油画风格语言的标志。英国美术评论家赫伯特•里德指出:“艺术家的笔法是他的个性和特质的主要线索，这个信条是曾经秩序井然的鉴定基础……”。

　　笔触和肌理作为油画的构成元素，是艺术家对看到的事物通过主观处理后在画面中呈现的节奏。笔触与肌理之间是相互联系的两个有机体，笔触不是为了肌理而形成的笔触，笔触首先是画家情绪的自然流露，这种笔触形成的肌理才是最能感动人的肌理。自然界的事物和现象中本无笔触、肌理，正如自然界中也没有旋律，而是在音乐家的加工下才产生了旋律一样，笔触和肌理也是油画家通过主观处理后在画面中呈现出的一种节奏变化。笔触和肌理运用得好坏，决定着一幅油画作品的成败。随着油画的发展，笔触技法的熟练运用使油画形成流动又神秘的节奏与韵律，唤起人们心灵的变奏，进而表达作品的生命内涵。

　　在的实践中，画家们对油画这种材料做了大量的努力来拓展油画材料的形式语一言的广阔领域，对于油画刀、油画笔、画布等材料自身性进行了深入细致的研究。笔触和肌理丰富了油画语言的表现力，有助于画面节奏与韵律的美感的形成。对笔触的速度、力度、方向的不同运用，会产生不同的效果。用笔的力度与笔法节奏是相互依存、相互补充的，两者有机结合才能使笔触和肌理产生了鲜活的艺术感染力。

　　现代油画开拓艺术新的领域，除了视觉外，还注意到听觉、味觉及触觉等知觉的体验，将油画、工艺、建筑、雕塑、音乐甚至科技等融为一体，对新素材的广泛运用，形成具有现代感，新内涵的综合艺术。对油画的追求也似乎更倾向于以油画的自律性为依据，将造型要素作有秩序的组合，通过强调和夸张的节奏，取得了视觉的愉悦感和刺激的效果。在以下的油画门类中，都可以看到对油画作品节奏感形成的不断探索。

　　以野兽派油画代表马蒂斯作品为例，他的作品借助平面构成，色彩构成等方法，以提纯画面因素来强调节赛感的表现。追求新的形式和发现纯粹美，确立了装饰性油画在愉悦视觉上的新装饰艺术，使人产生新奇和愉悦的快感。

　　以欧普艺术为代表，不一定要求形式的美感，或以违反常规的办法将所画的物质扭曲变形，甚至丑化，制造视觉上的新奇刺裁或用图案和色彩规律排列，排成视觉错误，制造想象;或利用多种素材，科技发明，制造光怪陆离的作品。

　　康丁斯基及德洛惶等现代画家的作品，将内心的波动赋予了秩序和智慈，用抽象的形式作为音乐性的表达，通过音响、节奏、旋律、运用对位及和声传达不同的情绪。油画也可以不需物象，而只用点、线、形、色等律动的组合产生音响宇宙。

　　另一种由直觉主义和自由创造精神，避免了预先构想的油画作品，在随意涂抹，无意识中让画笔自动驰驹，在心不在焉的作画过程中，体验粉圈险和偶发的欢欣。另有追求粉“行为快感”的艺术家，将自己与画面溶为一体等等这种创作意图都是在寻找新的油画结构和油画节奏。可以得出，艺术家为了追求画面效果的丰富性，从材质到表现语言都进行大胆而多样化的探索与尝试，除了已掌握的传统材料和油画语言之外，还积极主动借鉴于其他画种，为现代油画的发展带来勃勃生机。现代文明高度发展的今天，无论是意识形态或是物质世界，都处于一种日新月异的快速变化中，人生观、价值观的改变也引起了审美观的变化。艺术家都试图寻找符合门类艺术，符合时代的油画语言，坚持不懈地对画面的结构与节奏探索与尝试。加之新材料的不断出现，知识结构的移位，信息的高度发达，给油画实践提供了更为广阔的空间，无论东方油画还是西方油画，都不约而同的出现新的油画观念和新兴的油画手段.但是，无论如何，对节奏感的关注始终都贯穿于这些艺术创作过程中，不管是过去、现在、还是将来。

　　当今国际画坛是一个“多元化”的局面，新旧方法交织使用并不能夺掉油画的位置。文艺复兴时期，西方画家的中心课题是“写实”，而油画的种种技法也围绕着这一中心课题来展开，写实油画逐渐形成了多种形式，大多是艺术风格和样式共存的状态。节奏作为画面重要的语言，在整个油画史的发展演变中不断丰富和完善，对节奏的研究是油画发展和创新的必由之路。节奏是形式美的重要内容，本文从形式要素(形体、色彩、笔触和肌理)的角度对节奏的表现特征进行分析，节奏的强弱、快慢、松紧、虚实和明暗变化以各种不同方式组成，形成不同的韵律。油画创作需要在观念、审美、形式语言以及工具材料诸多方面进行学习，在学习借鉴传统的同时，更要注重表现手段及技法材料的研究。

　　总之,节奏的变化规律关系到油画创作全局的处理法则,必须恰到好处地运用节奏使其适应我们的油画创作。油画特点和精神是由个性化语言来诠释的。然而,节奏的个性是通过行为的准备动力而起作用的,是油画创作过程的重要因素,在节奏的变化中突出特点,突出油画语境的特征，突出个性化创作与油画家心理状态。可见,油画中节奏的追求是永恒不变的主题。

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